Blog sobre fotografia digital y retoque digital de imagenes

Fotografia

La técnica del barrido fotográfico


Muchas veces hemos visto imágenes ( muy relacionadas con el deporte ) en las cuales un objeto en movimiento esta congelado en su entorno, de forma que se ve nítido mientras que todo el fondo transmite la sensación de movimiento. De esta manera se realza la sensación de movimiento y se consigue transmitir mas fuerza, mas dinamismo, etc, en general conseguimos una imagen con un barrido.

Vamos a ver un poco como realizar este tipo de imágenes, en mi caso no había realizado nunca este tipo de capturas, hasta que hace un par de días me toco hacer una practica en clase de diseño y bueno me puse manos a la obra.

Los ajustes de la cámara son importantes, así no abriremos en exceso el diafragma ( en mi caso estuve jugando con f5.6 a f8 ) una ISO ligeramente alta pues el día estaba un poco nublado y el ajuste mas importante es la velocidad ( el tiempo de exposición ) que conviene jugarlo entre 1/30 y 1/60.

Realizaremos un pre-enfoque de la zona donde realizaremos el disparo,mas la medición para ir calculando los ajustes finos. Nos colocaremos a cierta distancia, en un plano paralelo al objeto a fotografiar ( coches en movimiento en mi caso ) y haremos un par de disparos de prueba para comprobar los ajustes correctos.

La técnica en si es seguir el vehículo con el pre-enfoque realizado, realizado el mismo movimiento que el vehículo e intentando imitar la misma velocidad y entonces realizaremos el disparo. Se supone que en el barrido y con una velocidad ligeramente lenta el objeto habrá sido captado con nitidez pues mi velocidad lenta se contrarresta con el movimiento de barrido que hago con la cámara, con el fondo no ocurre lo mismo pues es inmóvil y se consigue el efecto de movimiento pues nos saldrá completamente desenfocado.

Puede parecer complicado en la explicación pero una vez en el sitio, fue tirar unas cuantas fotos para conseguir el pre-ajuste correcto y empezar a conseguir algunos resultados que para ser la primera vez no me desagradan. Os dejo con algunas muestras:


Iluminacion fotografica portatil, el sueño de todo fotografo


Cuantas veces nos ha pasado que tenemos el escenario perfecto, el elemento a fotografiar, la idea, en fin creemos que lo tenemos todo pero resulta que nos falla lo mas esencial, el elemento indispensable para realizar la foto, la LUZ.

Hay muchos sistemas de iluminación portátil, de hecho hablare pronto de ello puesto estoy haciendo una bricomania para uso personal, he visto desde usar sais informaticos, baterías de coche, etc hasta sistemas profesionales o uso de generadores. La otra opción son los flashes a pilas como no.

El video de hoy muestra que hace la luz en nuestras fotos y como conseguirlo con el sistema AcuteB2 600AirS junto con transmisores por radiofrecuencia para su activación Air Sync.

Obviamente es un material que no esta al alcance de la mayoría pero es innegable las posibilidades que nos brindan estos elementos en fotografía creativa, fijaros que en el video de ejemplo se utilizan en exteriores donde la luz no haya limites en su dispersión, pero imaginaros su funcionamiento en una habitación de un edificio abandonado donde las paredes harían de reflectores, o una nave industrial en desuso o una sesión en un desguace, solo de pensarlo se me hace la boca agua, en fin os dejo con el video para que lo disfrutéis:

[Vimeo 17243217]


Hablemos sobre el Flujo de Trabajo


Primero imaginemos una situación, nos gusta la fotografía y hemos tenido un fin de semana intenso, 2 sesiones en exteriores mas unas fotos de una cena social mas unas fotos con nuestra mascota dando un paseo. En total muchas fotos! y seguramente queremos que todo sea de la mejor calidad pues tenemos ese defecto, que siempre queremos la perfección en nuestras tomas.

Bien aquí es donde entra en juego el conocido “flujo de trabajo” que no es mas que tener un orden concreto y con sentido de lo que tenemos que hacer y como hacerlo para maximizar los resultados empleando y usando nuestros recursos de la mejor manera posible.

Si tengo que gastar tiempo en que hago primero, como edito esta foto, como la otra, me aburro de mi mascota y dejo el álbum a medias para ir a por una de las 2 sesiones, pero luego hago lo mismo y me voy a la cena porque tenia alguna red social abierta y me las estaban reclamando, etc, si todo eso pasa o solo alguna de esas premisas ocurre, nos encontraremos con un problema grave, EL TIEMPO!

Tenemos que tener un sistema que nos ahorre trabajo y sobre todo tiempo, para ello hay que diseñar un flujo de trabajo, hoy nos centraremos en la parte de edición pero de cara a salir a tomar fotos también hay que tener un flujo correcto de trabajo.

Lo primero sera tener todo bien estructurado, cada trabajo por su lado, las sesiones en un disco duro a parte, lo personal en otro. Dar prioridad a lo que primero debamos entregar, normalmente el trabajo se cobra las fotos de los amigos no…

Hay que visionar las fotos y aquí si merece la pena gastar tiempo pues una preselección nos ahorrará mucho trabajo después, desecharemos las que no creamos buenas e iremos marcando las que mas juego nos puedan dar, podemos trabajar con automatismos, en mi caso un redimensionado automático para tamaño web, en otros caso crear una acción para un blanco y negro de calidad, etc.

No podemos pasar de un trabajo a otro sin acabar el primero, debemos ser meticulosos, debemos intentar tener las mínimas distracciones así que fuera redes sociales o otros focos de distracción.

De esta forma entraremos en ese flujo donde iremos en el mismo sentido de la corriente y sera mas fácil nadar, espero se entienda la metáfora…


No solo somos fotografos, tenemos que ser creativos


Hoy en día, no podemos dormirnos en los laureles ( yo como aprendiz de fotógrafo que soy sobre todo ) puesto que hay muchísima competencia debido a la facilidad del autoaprendizaje, accesibilidad a medios ( internet ), bibliografía etc, hace que cualquiera con ganas pueda empezar en este mundillo, luego ya los trabajos serán los que juzguen.

Así pues y aprovechando que en clase lo estoy viendo justo estos días, pensemos en “imagen corporativa”, nos tenemos que hacer algunas preguntas si queremos ser profesionales de verdad, del estilo como sera mi web y mis tarjetas de visita, etc.

Para ello como no podemos usar el Photoshop que parece una navaja suiza a veces, pero no estaría de mas aprender a usar otros programas de la suite de diseño de Adobe, en este caso el Ilustrator seria lo ideal. Tener gráficos vectorizados, creados con colores CMYK supone una ventaja de cara al trabajo en imprenta.

Así pues no basta con saber como fotografiar, tenemos que poder tener mas recursos, nuestras propias tarjetas, maquetar un álbum de una sesión para un cliente, etc. Al igual que en la fotografía, en el diseño también existen muchas reglas que poco a poco iremos viendo.

Como muestra os dejo uno de mis primeros bocetos para mi propia tarjeta de visita:


Derechear el histograma como dice Mellado


Mellado en su libro nos habla de un método para conseguir exposiciones correctas con la mayor información posible en el histograma, básicamente lo que conseguimos es derechear para tener un rango dinámico mas utilizable alejándonos de los extremos izquierdo y derecho del histograma pues es en la zona central donde mayor información tenemos.

El método es muy sencillo en la teoría pero para llevarlo a cabo sera necesario practicar bastante hasta llegar a obtener buenos resultados. Básicamente el método es el siguiente:

1.- Analizamos la imagen que queremos captar y buscamos el punto de mayor luminosidad, en ese momento accionamos la mitad del recorrido del disparador y el fotometro nos dará una medición. ( El modo de medición debe ser puntual )

2.- Seguramente el fotometro nos estará indicando que esta sobre expuesta es decir quemada, lo que debemos hacer es ajustar la exposición para que el fotometro nos de un “ok” es decir que este correctamente expuesta para esa zona donde hemos realizado la medición.

3.- Ahora lo que tenemos es la imagen con ajustes para una correcta exposición en la zona de altas luces, pues bien procedemos a reajustar para subir 2 pasos la exposición, ajustando la velocidad del obturador o la apertura, así conseguimos sobre-exponer la imagen 2 pasos partiendo de una medición correcta para el mayor punto de luz, el que habíamos medido al principio.

4.- Pues bien, bloqueamos ahora la exposición para poder realizar el reencuadre de la composición,etc pero sin perder los ajustes y realizamos la toma.

5.- Todo habrá salido bien si al ver el histograma observamos que la mayor parte de la información ( esas montañitas ;) ) están mas bien en la zona derecha del histograma, de ahí que se suelan utilizar lo de “derechear el histograma”.

Con todo eso lo que habremos conseguido sera aprovechar al máximo la zona derecha del histograma tal y como comenta Mellado en su libro al explicarnos esta técnica.


Mini estudio casero en fase beta 2


El otro día adquirí lo que va a ser el esqueleto de mi nuevo mini estudio, hice unas primeras pruebas y como suele pasar, las primeras pruebas no salieron del todo bien pero bueno después de leer y buscar información he encontrado algunos de los pequeños errores que cometí. Este fin de semana miraré de conseguir un par de cosas que creo que mejoraran sin duda mucho los resultados. Os dejo con una de las pruebas y con la foto que mas o menos me sirvió de idea:


A vueltas con los filtros, en esta ocasion Polarizadores.


Ya hablamos sobre los filtros de densidad neutra y su capacidad para bloquear parte de la luz recibida por el sensor para evitar sobre-exposiciones parciales y poder jugar con aperturas o tiempos de exposiciones en condiciones de luz intensa, pues bien hoy vamos a conocer un poco mas sobre otro tipo de filtros, en esta ocasión sobre filtros polarizadores.

Estos filtros son muy útiles pues consiguen bloquear la luz obteniendo diferentes resultados según el angulo de captura, los tiempos de exposición, etc.

algunos de los resultados que podemos obtener con el empleo de estos filtros son:

  • Elimina reflejos indeseados sobre superficies como agua o cristal, permitiendo la visualización de lo que se encuentra detrás de ellas. El efecto de la polarización depende del ángulo que mantenga el objetivo respecto a la fuente de luz, y puede previsualizarse accionando el anillo antes del disparo.
  • Mejora el colorido de la hierba y el follaje, debido a que se filtran los reflejos azulados del cielo.
  • Con un filtro polarizado se elimina una gran cantidad de luz de un cielo sin nubes, intensificando el azul del cielo que toma un tono más oscuro. Las nubes blancas destacan considerablemente en el azul del cielo.

 

Su uso se extiende sobre todo en el ámbito de fotografía de paisaje, naturaleza, animales o exteriores y aumenta los contrastes y los detalles de muchas texturas, sobre todo se emplea para dramatizar el cielo y las texturas que se pierden por la luz.

También puede resultar muy interesante su uso en fotografía de retrato siempre y cuando hablemos de exteriores, hablaremos sobre el tema en otra ocasión.


Conociendo los filtros de densidad neutra, ND.


En la fotografía, todos sabemos que una de las principales herramientas con las que debemos contar es la luz, pero en ocasiones ( sobre todo en exteriores ) no tenemos la opción de regular esta luz y podemos correr el riesgo de quemar ( sobre-exponer ) ciertas zonas de la imagen.

Por suerte en fotografía contamos con muchas herramientas, sin entrar en el mundo de equipo semi-profesional o incluso profesional como podrían ser deflectores o parasoles tenemos la opción de “armar” nuestra cámara con pequeños filtros con diferentes funciones.

Vamos a hablar de los filtros de densidad neutra que en este caso sirven para detener parte de los rayos de luz que inciden en el sensor obteniendo de esta manera una imagen mejor expuesta sin zonas “quemadas” por sobre-iluminacion.

Son filtros fáciles de acoplar a las cámaras, con una capa lisa de color gris neutra para no afectar a los tonos y colores. Sus funciones en buenas manos pueden ser muy amplias, como permitir largas exposiciones para captar el efecto seda del agua sin temer por zonas sobre-expuestas.

Se pueden comprar a través de internet o en tiendas de fotografía, dependiendo de la calidad de los materiales y el tratamiento de la imagen hay un mundo a nivel de precios, así mismo también comentar que se disponen en diferentes numeraciones dependiendo de la cantidad de luz que filtran o bloquean.


Conociendo un poco mas el HDR


HDR es una técnica utilizada en fotografía digital que nos permite superponer la misma toma con diferentes exposiciones para mejorar el rango de iluminaciones, así las zonas “quemadas” pueden salvarse y se puede levantar un poco las zonas subexpuestas.

La traducción es High Dynamic Range, alto rango dinámico, y es un sistema que se ha ido extendiendo de tal manera que son muchas las cámaras que ya incorporan un modo de captura en HDR. La explicación seguramente es sencilla, nos facilita la labor de lidiar con la luz hasta cierto punto y eso en fotografía es muy importante.

Por internet es fácil encontrar muchas imágenes con esta técnica la mayoría muy IMPACTANTES, pero esos HDR son trabajos de post-edicion sobre un HDR normal. Un flujo de trabajo común para estos trabajos es la captura con -2,0,+2 y un primer procesado en el editor para pasar despues a un mapeador de tonos, el mas conocido es el Photomatix.

Os dejo aquí unos cuantos ejemplos:

 

Por si os interesa trabajar esta técnica, lo primero es comprobar si nuestra cámara puede horquillar fotos ( diferentes exposiciones ) o si incluso lleva algún modo HDR ya incluido. Siempre se puede en caso negativo falsear la exposición de una toma en un programa de edición, hablaremos de ello en próximos artículos.

Como consejo os puedo decir que es muy importante contar con trípode ( pues las diferentes capturas con diferentes exposiciones deben ser idénticas y la cámara no debe moverse.


La base es la foto, pero el photoshop puede darte alas,rafinchu fotografia.


Bueno la ultima foto que he colgado, tomada con una cámara compacta que ya tiene sus años es una buena muestra. Os voy a poner algo que no suele gustar a los fotógrafos, pero como estoy lejos de considerarme aun un fotógrafo no tengo problemas en compartir.

Original y procesado de la imagen. Lo cierto es que no tengo todos los pasos que realice, sera como una breve guía por encima pero es que eso también demuestra que a veces hace falta un poco de imaginación y porque no, de inspiración para sacar algo interesante de algo que tal vez no lo sea tanto.

Esa es la original y ahora la procesada:

El procesado empezó por una capa de ajuste de curvas, para realizar un “proceso cruzado” dando esos tonos de foto antigua. Sobre esa capa luego hay que añadir otra capa de ajuste esta vez de color solido con un tono a elegir ( quedan muy bien amarillentos o anaranjados ) y bajando la opacidad, el modo de fusión de esta capa puede variar según gustos y objetivo en mi caso utilicé tono y una opacidad baja.

Combinadas las capas en 1, con el pincel de subexponer y una opacidad baja seleccionando sombras, pinte por encima del asfalto para resaltar su textura, una capa mas de tono-saturacion para desaturar un poco la imagen y aplicar un filtro de corrección de lente para añadir el viñeteado. En algunas capas añadí una mascara para que no afectara a las llantas de los neumáticos y luego una capa duplicada con una mascara de enfoque en las zonas que creí interesante mejorar el enfoque. Básicamente ese fue el procesado de esta imagen.


Sigamos con la composición, donde colocar la linea del horizonte


Bien aquí tenemos una imagen de una playa, con la orilla como tema principal. Vemos zona de arena, zona de agua y cielo.

En el momento de realizar la foto, no hemos dado importancia en concreto a ninguna de la zonas o elementos de la composición, teniendo en cuenta que tenemos arena,mar y cielo puede interesarnos por algún motivo, dar mucha mas importancia y presencia a la imagen de alguno de los elementos antes mencionados.

Todo dependerá de donde coloquemos el horizonte a la hora de realizar el reencuadre de la imagen, de esta manera podremos pasar de una foto imparcial a una que se decante por alguno de los elementos.

A lo mejor nos interesa por algún motivo tener mas cielo, todo el mar pero solo algo de arena…

O por el contrario darle mas importancia a la arena sin perder el mar pero sacrificando la parte del cielo que no tiene información interesante ( el cielo a partir de las nubes puede no resultar interesante ) …

Por supuesto dependerá del objetivo de la foto, de nuestro gusto, de la temática o finalidad de la misma pero si es cierto que sin recorte alguno la imagen original se queda en “tierra de nadie” sin decantarse, con los recortes opcionales la imagen ya se decanta hacia uno u otro.

En mi caso para este ejemplo, el primer reencuadre hace la foto mas agradable e interesante, la arena fuera de la zona con agua hace que pierda fuerza la foto por eso podemos eliminar parte de la misma y centrarnos en el cielo, el mar, las nubes y la ola que están repletas de detalles y texturas que nos llamaran mas la atención.


A falta de material para mostrar.. buenos son los cursos!


Os dejo el enlace de uno de los cursos gratuitos mas buenos que he visto por la red, es completo, ameno y muy fácil de entender gracias al soporte audio-visual, bueno aquí os lo dejo a ver que os parece, yo de paso volveré a verlo que hace tiempo que no le pego un vistazo y nunca esta de mas.


Seguimos con los detalles en la composición


Bueno pues otra de las normas mas básicas dentro del mundo de la fotografía y mas en concreto relacionado con la composición en las tomas, es entender que una imagen tiene que transmitir sensaciones e información.

En este caso es un retrato de un lobo (prestado de internet) en el primer caso se centro toda la información en el lobo en si, solo vemos el lobo, precisamente por eso perdemos sensaciones y la foto queda plana, sin transmitir.

El problema fue el encuadre que se escogió a la hora de hacer la toma, pensando que con ver el lobo en plano principal la foto tendría fuerza suficiente.

En esta segunda toma hemos respetado las reglas de composición, el lobo tiene la mirada hacia la izquierda, así pues debemos respetar su mirada y no centrar la imagen en el lobo, sino también tener en cuenta hacia donde mira, de este modo la foto queda bien encuadrada y nos transmite mas fuerza y sensaciones.

Sencillo verdad¿? Solo se trata de ver antes de hacer la foto, y entender que si una persona esta mirando hacia algún punto debemos dejar parte de nuestra imagen libre en esa misma dirección precisamente para transmitir su mirada.


La composición en la fotografiá


Bueno empezamos ahora si nuestra andadura. Lo primero es lo primero, así que antes de liarnos con fotos, modos, equipos o tutoriales de Photoshop, vamos a empezar por lo básico, que a veces es lo mas importante y lo que hace que una foto sea buena de verdad a nivel técnico.

Os voy a presentar la regla de los cuatro tercios. Es una sencilla regla de composición, en la cual dividimos nuestra imagen en 9 casillas proporcionales trazando 4 lineas, 2 horizontales y 2 verticales, como si fuese un tablero de tres en raya.

Es justo en las intersecciones de esas lineas imaginarias que hemos trazado, donde principalmente y con mas fuerza se va a centrar nuestra mirada. Por tanto en esos puntos de “fuerza” vamos a colocar los elementos que mas queremos destacar, como por ejemplo los ojos en un retrato, un monumento, etc.

pd: Si os fijáis en la foto que acompaña el texto, he trazado las lineas y he creado unos círculos para que podáis determinar los puntos fuertes, en este caso coincide con la silueta del chico que esta de pie, justo en su cabeza.


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